Author:ale
Prague PhotoXVIªedizione
Il CSF Adams come ogni anno partecipa alla manifestazione Prague Photo Festival giunta alla sua XVI° edizione. Come consueto le location sono di prestigio, dal Kafka House Palace…al Clam Gallas Palace, tutte caratterizzate da essere ubicate nel centro storico di Praga (Municipio di Praga I) in edifici storici di particolare rilievo e pregio. Questo festival si caratterizza dalla contemporanea partecipazione di scuole di fotografia, gallerie, artisti e fotografi. Ogni anno il festival sceglie di ospitare un’artista-fotografo di rilievo internazionale. Quest’anno la scelta è ricaduta su Eliska Bartek, una valente artista che avemmo la fortuna di conoscere tanti anni fa durante una esposizione a Praga. Eliska Bartek fu anche nostra ospite alla nostra manifestazione annuale che si svolgeva presso Cascina Farsetti nel parco di Villa Pamphili, Roma, all’interno di una rassegna fotografica denominata cascinafarsettiArt attiva fino al 2012.
Il CSF Adams partecipa al Prague Photo Festival presentando e privilegiando lavori di giovani autori, di studenti meritori e di corsisti.
Nella edizione del 2021 l’ospite d’onore della manifestazione è stata Gaia Adducchio, un’autrice affermata, già studentessa del Centro Sperimentale di Fotografia Adams, che presentò un lavoro dalla forte connotazione sperimentale realizzato in analogico mediante elaborazioni in camera oscura. I lavori che proponiamo al Prague Photo spesse volte sono scelti tra le mostre fotografiche selezionate all’interno della programmazione espositiva di Kromart Gallery, galleria ubicata nei locali del CSF Adams, o tramite una call for entry a tema che lanciamo ogni anno a discrezione del Direttore Artistico della galleria o della Direttrice Didattica del CSF Adams.
Quest’anno abbiamo scelto di portare un progetto dei nostri allievi partecipanti al corso di specializzazione fotografica “Il nudo a nudo”. Chi ha la fortuna di partecipa al Prague Photo sa che fa un’esperienza che va al di là della pura esposizione fotografica: è una esperienza totale, in un luogo magico e di struggente bellezza dove si ha l’opportunità di incontrare e interloquire con autori, galleristi, curatori, collezionisti, storici dell’arte. Un’occasione da non perdere quindi, fatta di stimoli per una sicura crescita personale. Siamo da poco tornati a Roma e abbiamo già iniziato a lavorare ai prossimi progetti: un lavoro fotografico collettivo, progetti personali e la nuova call che verrà lanciata a fine primavera.
Il Maestro e Margherita
l Maestro e Margherita
di e con Riccardo Cecchetti e Simona Caprioli
edito da El Doctor Sax
introduzione di Gabriele Agostini
Non è la classica graphic novel che ripercorre filologicamente la trama del libro di Bulgakov: è un’opera in cui si gioca con vari linguaggi e con una serie di rimandi cinematografici e letterari, dove le figure del romanzo flirtano con i personaggi della cultura pop e alternativa del secondo Novecento.
✏️ la quarta di copertina
I sogni non sono soltanto un mondo di fantasia nel quale l’artista trova rifugio, sono anche parte della natura e dell’arte. Per dirlo in altro modo, l’arte è il luogo in cui i sogni e l’immaginazione s’incrociano e, assai prima che i romantici riscoprissero l’incubo o Freud l’inconscio, compito dell’arte era infondere nella realtà della veglia la forza e la vividezza e dramma dei sogni. Il pensiero visivo è più vicino ai processi inconsci di quanto lo sia il pensiero in parole, e indubbiamente più antica di quest’ultimo, sia ontogeneticamente che filogeneticamente. In altre parole, il cervello che sogna pensa, ma esprime i suoi pensieri in una forma arcaica, che ha preceduto il linguaggio astratto, così come i geroglifici hanno preceduto l’alfabeto fonetico.
Fleur
CTA INTERNATIONAL
Diretta da Giovanna Pennacchi
Presenta:
Fleurs
Di Nina Smidek
A cura di Luisa Briganti in collaborazione con
Centro Sperimentale di Fotografia Adams
Dal 12 aprile al 7 maggio 2022
Vernissage Martedì 12 aprile 2022 ore 18:00
…
“Se la vostra vita quotidiana vi sembra povera, non l’accusate; accusate voi stesso, che non siete assai poeta da evocarne la ricchezza; ché per un creatore non esiste povertà né luoghi poveri e indifferenti.”
Rainer Maria Rilke
Espressione della cultura mitteleuropea caratterizzata dalla molteplicità, sospesa tra secessione e simbolismo, tra scienza ed arte, carica di malinconia e ironia. Disincantata verso le apocalissi della cultura occidentale ma con uno sguardo filosofico persistentemente e profondamente orientato alla ricerca di memoria come ricerca di senso della propria identità. Artista carica di lievità atemporale, disillusa dalle sirene della modernità, sceglie di rifugiarsi in un mondo fantastico, favolistico, onirico dove regnano i cicli della natura, e dove attraverso il sogno il soprannaturale prende vita. Questo viaggio introspettivo si impone per giungere all’appuntamento con se stessi. L’artista si pone al servizio d’una volontà superiore che l’oltrepassa, diviene pertanto solamente l’interprete di una trascendenza. Artista dotata di una carica di religiosità laica. Musicista classica, ballerina di tango argentino, fotografa e cercatrice dell’altrove nelle vicende umane. Alterna instancabili viaggi a lunghi periodi di creazione nella solitudine del suo studio. Qui ha sviluppato una propria personalissima tecnica, che consiste nell’ibridazione di fotografia e pittura a olio. Attraverso lussuosi pigmenti su carta in fibra di gelso giapponese, le sue opere tornano magicamente, ad essere fotografie, come in un eterno ciclo temporale. La sua opera, come la sua vita, è una Gesamstkunstwerk, costantemente rivolta alla ricerca dell’armonia del proprio essere e ciò la porta ad introdurre registrazioni sonore nelle sue opere, per consentire allo spettatore di immergersi con più profondità nel suo mondo interiore. Il lessico visivo dell’artista è caratterizzato da venature intrise di nostalgia e malinconia capaci di suggellare con il tempo un patto che ci trasferisce in un altrove di memoria rallentata ed abitata da struggente solitudine. Un mondo composto di luce, armonia e sentimento.
Gabriele Agostini
info Acta international
Via Panisperna, 82-83
00184 Roma
+39 064742005
info@actainternational.it
direzione:
Giovanna Pennacchi
Orari
Martedì – Sabato 16 – 19.30
Nina Šmídekpraghese di nascita, vive e lavora tra Praga e Parigi. Pittrice, fotografa, musicista classica, ballerina di tango argentino, cittadina del mondo, si dedica a vedere l’invisibile, realizzando fotografie d’arte che emergono dal subconscio. Artefice di una particolare e singolare ibridazione di fotografia e pittura ad olio.
Ha esposto
- 2021
Mostra personale in corso presso la Clinica Fidentia, Orechovka, Praga - 2020
Salon d’Automne 2020, Champs Elysées, Parigi
Mostra UnisVers’ART, Palazzo Brullov, San Pietroburgo (annullata causa covid19)
Salon Comparaisons 2020, Grand Palais, Parigi - 2019
Fotorenesance, Topic Fair, Praga 2019
Asta Via Fondazione, Palazzo Žofín, Praga
Cascina Farsetti Art 2019, Palazzo Velli, Roma
Salon d’Automne 2020, Champs Elysées, Parigi 2019, Champs-Elysées, Parigi
Fuori Luogo, Venezia, Italia
Fiera d’autunno cinese, Xi’An
Salon Comparaisons 2019 , Grand Palais, Parigi - 2018
Komart Gallery , Roma
Czech Photography Salon I, Salon Topic, Praga
Salon d’Automne 2020, Champs Elysées, Parigi
2018, Champs-Elysées, Parigi
Cascina FarsettiArt , Palazzo Velli, Roma
Aria aperta, Varna, Obzor
Praga Photo 2018 (Palazzo Clam Gallas), Confronti tra saloni di Praga, Grand Palais, Parigi
Creazione del libro d’artista Prefazione di Gerard Xuriguera 2018 - 2017
Intorno a Gérard Xuriguera
Gallerie Roy Sfeir e Samagra, rue de Seine, Parigi
Prague Photo XIVª Edizione
Gli autori di questa edizione
- Sara Munaria cura di Alessia Locatelli
- Jack Sala cura di Manuela Del Leonardis
- Antonella Monzonivincitrice della call for entry 2020 CSF Adams
- Veronica Benedettivincitrice della call under 30 2021 CSF Adams
- Alessandra Braun, Tomeu Coll, Gaetano De Filippo, Giorgio De Finis, François Fasnibay, Antonello Ferrara, Carola Graziani, Gian Marco Sanna e Paola Tornambe’
a cura di Luisa Briganti
Barbara Cannizzaro, Cristina Cappellini, Elisa Clementelli, Elda Occhinero, Simona Ramponi, Ivana Rinalducci, Amelie Soffietti, MarcoTanfi, Alessandro Tempesta, Paola Tornambe
collettiva degli allievi del corso di autoritratto a cura di Simona Ghizzoni
Ideazione e Direzione Artistica diGabriele Agostini
ProduzioneCentro Sperimentale di Fotografia AdamseKromArtGallery.
www.praguefoto.cz
www.csfadams.it
www.kromartgallery.it
Photopoerty
dove la fotografia si scopre essere uno dei luoghi privilegiati per attivare pratiche per una ricomposizione della propria geografia emozionale.
Dove ragioneremo sulla fotografia come “luogo dell’anima”, capace di evocare attraversamenti atemporali, dove l’apparenza si è staccata dalla vita, la figura si è dissociata dal suo senso.
La fotografia come annunciazione del nulla, percezione pura del non essere.
Poesia e immagine appaiono come le declinazioni di una fonte comune dalla quale possono generarsi vicendevolmente e appartenersi.
Ogni gesto espressivo, verbale o iconografico, è il luogo in cui impera la forma.
Questi corpi artistici vivono di continui richiami, di rimandi e corrispondenze.
L’immagine come luogo poetico, come un tempio da cui sia possibile trascendere, trasformare e distillare possibili parole.
Le parole come dono di una seconda vista, parole che si infrangono sugli scogli dell’indicibile, verso un assoluto che è la poesia senza parole, incontrando come unico luogo abitabile l’origine stessa del vedere e della rappresentazione muta.
A cura di Gabriele Agostini
Museo Macro Asilo| (Sala lettura)Martedì 26 marzo 2019 ore 18,00
Ingresso libero
JOSEF SUDEK:
Topografia delle macerie: Praga 1945
Uomini che sopra oscuri ponti camminano
dinanzi a santi
dai fiochi lumini.
Nubi che sopra il cielo grigio passano
dinanzi alle chiese
dai campanili che imbrunano.
Uno che al parapetto squadrato si appoggia
e guarda l’acqua serale,
le mani su vecchie pietre.
Franz Kafka
Tre fattori convergono sulla fotografia:
- l’essere fonte per la storia;
- l’essere agente di storia;
- l’essere strumento di narrazione
Questi tre piani si sovrappongono continuamente, risulta difficile stabilire dei confini da un settore all’altro.
Bisogna prendere atto che la fotografia è immune a ogni tentativo di rigida sistematizzazione.
Una fotografia, prodotta da un fotografo, è il prodotto di una quantità straordinaria di elementi: innanzi tutto il suo sguardo fotografico, il suo modo di inquadrare (la sua intenzionalità), una cultura della rappresentazione, la sua macchina e le sue competenze tecniche ed infine il suo archivio di immagini mentali o reali. Come si vede è al contempo produttore di fonti e un agente di storia.
Come trovare, dunque, la storia nella fotografia?
Che cosa della storia racconta la fotografia?
La fotografia, dunque, può essere letta in trasparenza, come fonte, per trovare in essa gli elementi non intenzionali o per porre nuove domande a quegli elementi la cui presenza risponde a una precisa intenzionalità; in questo risulta imprescindibile l’apporto di discipline che storicamente hanno cercato nella fotografia altro dalle intenzioni del suo produttore. Intenzionalità o non intenzionalità convergono poi nella fotografia come agente di storia. Infine la fotografia è ed è stata un linguaggio per raccontare eventi drammatici e felici, vicende personali e collettive, in una parola, la storia.
C’è una questione di estrema urgenza, ed è quella che riguarda l’uso storico dell’immagine fotografica.
Da tempo, il destinatario del lavoro dello storico non è più solo chi si occupa del suo stesso ambito disciplinare. Esiste un uso pubblico della storia, di cui i media sono i principali mezzi di trasmissione, che si propone obiettivi non sempre scientifici, ma esistono anche fruitori non specialisti che rivolgono un serio interesse alla disciplina. È un pubblico che dedica attenzione a iniziative editoriali o audiovisive e che richiede una proposta culturale che risponda a una qualità non proprio da consumo di massa.
Questa mostra va in questa direzione, di ogni immagine individua l’autore, il luogo, la data, l’evento, il committente, non limita la lettura a un unico documento fotografico: la serialità consente di ricondurre l’indeterminatezza dei frammenti a sistema, cerca quindi elementi qualitativi nelle relazioni tra i singoli documenti. Confronta la fotografia con altre fonti sia relative al documento fotografico sia al suo contenuto (fonti orali, cartacee). Studia i codici di rappresentazione e autorappresentazione tenendo conto delle loro origini e delle motivazioni che li hanno prodotti. Confronta il contesto storico-fotografico con il contesto storico, indaga sulla tecnica fotografica e sulla sua sintassi.
È una proposta di alto profilo culturale quella che oggi ci apprestiamo ad inaugurare.
L’autore, credo, non ha bisogno di presentazione. Tuttavia vorrei indegnamente spendere qualche parola su di lui.
Josef Sudek è un autore enigmatico e affascinante, attratto da visioni misteriose e cariche d’aura, da dettagli che rendono ogni foto un unicum, e da una tecnica spesso solo apparentemente imperfetta, soprattutto nella stampa. Sudek ama i grigi indefiniti, considerati spesso dai suoi contemporanei come una carenza di stile, da lui enfatizzati soprattutto nella scelta delle stampe a contatto. Seppure privato del braccio destro durante la Prima guerra mondiale, la fotografia è divenuta il centro del suo lavoro. Sudek sa attendere, anche per ore, a volte per interi giorni, il momento giusto. Nel suo caso non è un eufemismo dire che scriva con la luce, quella luce ricercata che caratterizza ogni suo scatto.
«Amo la vita degli oggetti», ha dichiarato in una intervista degli anni Cinquanta. «Quando i bambini vanno a letto, gli oggetti prendono vita. Mi piace raccontare storie sulla vita di oggetti inanimati».Sudek come cacciatore di magie dunque, anche nelle macerie.
Concludo citando le ultime righe diPraga magicadi Angelo Maria Ripellino: “ Non avrà fine la fascinazione, la vita di Praga. Svaniranno in un baratro i persecutori, i monatti. Ed io forse vi ritornerò. Certo che vi ritornerò. In una bettola di Mala Strana, ombre della mia giovinezza, stappate una bottiglia di Mělník. Andrò a Praga, al cabaret Viola, a recitare i miei versi. Vi porterò i miei nipoti, i miei figli, le donne che ho amato, i miei amici, i miei genitori risorti, tutti i miei morti. Praga, non ci daremo per vinti. Fatti forza, resisti. Non ci resta altro che percorrere insieme il lunghissimo, chapliniano cammino della speranza.”
“Nessun limite, eccetto il cielo…”(Miguel de Cervantes 1547-1616)
Il centro dell’opera di Kasia Derwinska è abitato dall’esplorazione del proprio sé.
L’artista stessa diventa motivo centrale di riflessione, un processo di esplorazione che assume i connotati di un’analisi spietata quasi dissezionante.
Con fatica affiora lentamente il senso del sé, del proprio io.
L’artista che afferra e finalmente cattura se stessa è reale o è la vittima di un inganno e di un’ illusione?
La sua ricerca, caratterizzata da rigore formale, ci restituisce in controluce la presenza d’innumerevoli stratificazioni a testimonianza della difficoltà o dell’impossibilità di trovare il segreto della propria individualità.
Emerge la molteplicità.
Il trasferimento in una dimensione che si apre alla realtà visionaria: difronte ai nostri occhi oscurati dal pensiero razionale si collocano mondi sondabili esclusivamente spostando il proprio baricentro coscienziale, mondi pronti per i nuovi trasferiti.
Una dimensione mentale che ha scelto il trasferimento come “identità”, lo spostamento come luogo, il mutamento come punto di vista, e come caratteristica, nelle tradizioni delle migliori tradizioni aeree, il punto di fuga.
Si apre l’era in cui l’inconscio vuole avere il proprio corpo, vuole trasferire fuori da sé le fratture di una pelle, di una carne, di un sangue inadeguati: è il trionfo della molteplicità dei sé in sé.
Il proprio punto di vista si trasforma in un punto di esistenza sottratto al confine fisico della propria pelle.
Kasia ci porge la mano, ci invita ad essere i testimoni di questo viaggio, ci chiama ad essere partecipi di questo attraversamento.
Un viaggio privo di meta, un viaggio per viaggiare, un viaggio senza ritorno dove l’Arte si scopre essere l’unico luogo rimasto dell’anti-specialismo.
Gabriele Agostini
A cura di Gabriele Agostini – Foto di Linda de Nobili
Vengono dal passato i volti di uomini donne e bambini delle foto di Linda de’ Nobili.
Vengono dal passato e, come le anime del purgatorio, abitano tra il mondo dei vivi e il mondo dei morti.
Vengono dal passato e forse ci giudicano per come siamo cambiati;
Per come abbiamo dimenticato di essere stati.
La fotografia aiuta gli uomini a vivere e a morire, a non dimenticare, a segnare il tempo.
Linda è una fotografa della vita quotidiana e quindi della poesia.
Linda produce foto immodificabili nell’età; conservano il tempo e lo riproducono negandone lo scorrimento, come il ritratto di Dorian Gray.
Queste foto ci fanno reagire, ci dicono qualcosa di noi che guardiamo, ci fanno immaginare il tempo passato, i luoghi e le vite che in esso si sono svolte.
Sono immagini pacate, velate di malinconia che racchiudono l’incanto del tempo sospeso, dei gesti accennati.
Pose e composizioni abitano uno spazio pittorico, teatrale, mantenendo un costante senso della scena, della recita, della storia.
Le persone ritratte sanno non farsi cogliere di sorpresa, nella spontaneità casuale di un momento.
Le persone ritratte sembra abbiano avuto il tempo di riflettere e di conformarsi alla regia occulta della fotografa che li vuole liberi di scegliersi la maschera da indossare per la recita della commedia della vita.
Come non pensare alle riflessioni di Antonino Pareggi, il protagonista del racconto di Italo Calvinol’avventura di un fotografo: “… la maschera, essendo innanzi tutto un prodotto sociale, storico, contiene più verità d’ogni immagine che si pretendevera, porta con se una quantità di significati che si riveleranno poco a poco …”
Linda vuole trovare l’essenza delle persone, vuole comprenderne le peculiarità, in tal senso ha bisogno di entrare in contatto con loro, anche o forse soprattutto da un punto di vistaspirituale.
Le persone sono allora ritratte insieme alle poche cose che l’accompagnano.
È un combattimento estenuante, fatto di silenzi, di attenzioni e momenti sofferti riuscire a svelare l’interiorità.
Questa è sempre più sacrificata sull’altare di unapresuntamodernitàdell’agire politico.
La lotta per il diritto ad una casa, le occupazioni, gli sgomberi forzati, la resistenza alla precarietà … obbligano il proprio corpo ad un’esposizione pubblica.
Gesti e movenze che si devono raccontare sotto i riflettori.
Linda sceglie invece di registrare atti che non costituiscono l’evento pubblico, ma frammenti quotidiani di un insieme complesso.
In direzione ostinata e contraria, ossessivamente con tutte le sue forze Linda insegue le persone per coglierne l’unicità, l’umanità, la debolezza, l’amore.
Scrive Shirley Jackson che nessuno può resistere senza danno all’esposizione prolungata alla realtà, e che è per questa ragione che anche le allodole e le locuste sognano.
La fotografia lo sanno tutti, ormai, non ha niente a che vedere con la realtà.
Al contrario, essa serve semmai a difenderci, a modo suo, dalla realtà: isolandone e congelandone un frammento infinitesimo ci parla non di quel che ha conservato, prelevato, ma di tutto quello che ne è rimasto fuori, di tutto quello che è andato perso: di ciò che non c’è mai stato, e di ciò che vorremmo che ci fosse.
Se le condizioni, l’oggetto e il fotografo sono quelli giusti, la fotografia ci invita a immaginare, qualche volta anche a sognare.
È quello che è accaduto con queste foto: una combinazione rara di circostanze, che ha la capacità di parlare soprattutto a noi di noi stessi.
Come non riflettere sulla possibilità di capovolgimento segnico che la contemporaneità sempre più sembra capace di mettere in scena.
Vecchi televisori poggiati su un altare, orientati come un officiante verso i fedeli.
Sembra ci si prepari ad una celebrazione liturgica eterodiretta.
Dal tubo catodico però non escono voci, ne immagini scintillanti, ne sogni a buon mercato o sorrisi tranquillizzanti.
Non ci sono colori.
Dal tubo catodico solo il silenzio assordante.
Non escono colori.
Solo la specchiatura, la riflessione delle navate di una chiesa vuota, fredda, occupata solo da tende che raccontano di un tentativo di ricerca di intimità, di conforto, di casa, di normalità, di vita sospesa che resta in attesa.
Come non riflettere sul tavolo apparecchiato sotto le tracce delle tavole lignee che raffiguravano le stazioni della Via della Croce o Via Dolorosa?
E che dire di quella Maddalena aggrappata alle sbarre, imprigionata, in dolorosa attesa del ritorno di Cristo salito su quelle scale per subire l’interrogatorio di Ponzio Pilato?
Noi tutti, noi ultimi già conosciamo l’esito.
Ma torniamo in chiesa, tra i sofferenti, tra i vinti di sempre.
Cristo è stato deposto dalla croce.
Sul muro alle spalle del tubo catodico ne vediamo le tracce.
Un uomo e una donna aspettano e si tengono abbracciati.
Sui loro volti appare la certezza della resurrezione, appare un sorriso.
Un bambino attende.
Dietro di lui solo una vecchia lapide e fagotti informi.
Contengono poche cose essenziali, parvenze e illusioni di averi di una vita ancora da vivere.
In questa attesa carica di speranza si viene trapassati dallo sguardo di una bambina che con fierezza ci viene incontro.
Nel suo sguardo non c’è posto per la rassegnazione.
Il suo è uno sguardo di sfida, di forza, di certezza di vittoria e di riscatto.
È lo sguardo di chi sa che non deve e non vuole arrendersi mai.
È l’eterno ritorno della Resurrezione dell’uomo.
È lo sguardo dei giusti di sempre.
Gabriele Agostini
’77 una storia di quarant’anni fa nei lavori di Tano D’Amico e Pablo Echaurren
La storia di una generazione e di un paese raccontata attraverso le immagini fotografiche di uno tra i maggiori fotografi italiani e le opere di un artista tra i più interessanti della scena contemporanea.La mostra è un ritratto dell’umanità, dei fatti e degli eventi accaduti nell’anno 1977, costruita sulle opere del fotografo Tano D’Amico e dell’artista Pablo Echaurren.Tale scelta in ragione della storia personale, politica e artistica degli stessi, artefici nelle origini e nella diffusione delle pratiche artistiche e culturali all’interno del movimento del ’77.
Roma 23 settembre 2017 – 14 gennaio 2018
Museo Roma in Trastevere – Piazza S. Egidio 1/b
Inaugurazione: venerdì 22 settembre 2017 ore 19,00
Una produzioneCentro Sperimentale di Fotografia Adams
A Cura di Gabriele Agostini
La mostra è un ritratto dell’umanità, dei fatti e degli eventi accaduti nell’anno 1977, costruita sulle opere del fotografo Tano D’Amico e dell’artista Pablo Echaurren.
Tale scelta in ragione della storia personale, politica e artistica degli stessi, artefici nelle origini e nella diffusione delle pratiche artistiche e culturali all’ interno del movimento del ’77.
Roma 23 settembre 2017 – 14 gennaio 2018
Museo Roma in Trastevere – Piazza S. Egidio 1/b
Inaugurazione: venerdì 22 settembre 2017 ore 19,00
Il libro :Il piombo e le rose
